Modes d'expression

Le collage est la réunion d’éléments de différentes natures. Pour ce premier sujet, il est proposé aux étudiants de première année de partir à la découverte d’un vocabulaire visuel, par un travail d’expression plastique spontané et intuitif en deux dimensions. L’idée est d’introduire à des supports travaillés au préalable, des morceaux de réel prélevés dans l’environnement proche : tickets de caisse, de cinéma, de bus, images de magazine, photographies personnelles… Ceux-ci ont été choisis pour leurs pouvoirs visuels et narratifs.

Prenant appui sur leur mémoire, faisant ressurgir leurs souvenirs, les étudiants retranscrivent le plan d’un quartier de leur enfance. Ils reconstruisent, tracent et mettent en maquette la cartographie mentale d’un espace sensible…

Le collage est la réunion de matériaux de différentes natures, il est  ici utilisé comme un mode d’expression privilégié pour traduire l’ensemble des éléments constitutifs d’un environnement.

De la même façon, un espace est un assemblage fait de données qui appartiennent à des catégories fort variées, nous pouvons le considérer comme une juxtaposition de réalités diverses et de perceptions hétérogènes, c’est la somme d’une addition d’informations à la fois tangibles et intangibles qui en font l’identité.

Ce travail réalisé par les étudiants de la filière espaces scénographiés a consisté à réaliser l’étude d’un lieu existant, le patio de leur cafétéria. Ils en ont observé les éléments visibles, palpables, mesurables, comme les lumières, les couleurs, les textures. Ensuite ils ont eu à traduire l’approche sensible qu’ils en ont, l’atmosphère, les évènements, les souvenirs.

Les productions présentées ci-dessous forment la synthèse de leurs observations matérielles et immatérielles.

Banal : qui est ordinaire, dépourvu d’originalité, quotidien…
Sublime : qui transcende. Le sublime est lié au sentiment d’inaccessibilité, d’idéal, de dépassement, d’élévation, il est porteur d’une aura « mystérieuse ». La notion de sublime est complexe, culturelle, souvent imaginaire, elle peut relever de la croyance, être l’objet d’une mise en scène, voire d’une supercherie…

Il est proposé aux étudiants de première année de partir du quotidien pour aller vers le poétique, le merveilleux, l’extraordinaire, le spectaculaire… Inventer une alchimie créative. Trouver dans le réel ordinaire une part de rêve… S’approprier et détourner les objets du réel pour les propulser dans une autre sphère… Jouer avec les notions de merveilleux, de sublime.

L’espace désertique donne un sentiment de liberté malgré l’aridité qui y règne, l’aridité c’est le manque, quels sont les matériaux qui pourraient évoquer cet état figé, et ceux, qui au contraire traduiraient la liberté?

Une série d’expérimentation a conduit Charlotte Noël Du Payrat à mettre en jeu la confrontation entre ces deux éléments pour arriver à la conclusion que si l’aridité conduit à la sécheresse évoquée ici par le sel, alors l’eau est l’élément de la liberté. À un moment donné, il s’est agit de les faire fusionner pour revenir à l’idée première que le désert c’est la liberté.

L’arbre c’est l’image de la résistance, de la robustesse, de la puissance.

Lorsqu’il est manufacturé, il devient la poutre dans laquelle il est enfermé et contre laquelle on peut imaginer qu’il lutte. Cela crée un phénomène de tension entre intérieur et extérieur, entre élément naturel et élément artificiel.

C’est à partir de cette contradiction que Delphine Huart a réalisé ce travail de maquette qui traduit le projet de créer une forêt où ces questionnements sont en jeu.

L’anamorphose, un monde simple qui rassemble une complexité, question de point de vue et de hors champ. Faire apparaître l’image qui révèle l’univers inaccessible à première vue, celui à l’origine du lieu qui donne vie, étranger au monde glacé des magazines.

Depuis la renaissance nous savons que la fenêtre s’ouvre sur le monde.

Travail réalisé par Manon Le Moal Joubel.

Une réflexion sur la notion d’intimité et son irruption dans l’espace public.

Une idée de jouer sur le décalage d’objets réservés à la sphère privée qui se retrouvent posés dans l’espace urbain comme pour s’approprier les lieux. Jusqu’où peut aller la cohabitation de ces deux univers, qu’elle est la limite qui fait qu’à un moment donné l’un n’est plus tolérable pour l’autre?

Travail réalisé par Emmanuelle Bories.

Il est autorisé de toucher les œuvres.

À Hanovre, au Landsmuseum, Lazar Lissitzky conçoit le « Cabinet des abstraits » à la demande de son directeur Alexander Dorner. Il s’agit d’une exposition dans laquelle l’espace est conçu comme une œuvre qui se modifie avec la participation du spectateur, entre autres dispositifs, les toiles sont fixées sur des rails que le visiteur est invité à faire coulisser et ainsi à moduler l’espace d’exposition, nous sommes en 1929.

La place du spectateur dans le théâtre.

En Italie, Filippo Tommaso Marinetti imagine un théâtre qui ferait circuler les spectateurs autour de scènes où tous les moyens de communication seraient mis au service du spectacle : le cinéma, la radio, la télévision, la téléphonie. Il écrit alors que le projet qu’il propose existe « … en attendant l’invention du télé-tactilisme, du télé-parfum et de la télé-saveur. » Montrant ici son esprit visionnaire, nous sommes en 1933.

Le spectateur devient créateur.

C’est en 1971 que Robert Filliou crée le « Territoire de la république géniale » au Stedeljik Museum à Amsterdam. C’est une installation qui lui permet d’aller à la rencontre du public qu’il fait participer à la création, ainsi le spectateur devient acteur de l’œuvre.

Nous verrons aussi Robert Rauschenberg et la conception d’une œuvre intitulée « Oracle », 1962-1965, dans laquelle il propose une association entre art et technologie. Les visiteurs munis d’une télécommande captent des ondes radio et jouent à faire varier les messages faisant ainsi entrer le son de la ville dans le musée.

À la même période le Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV) adopte pour mot d’ordre « Défense de ne pas toucher » et cherche à placer le spectateur dans une situation qu’il déclenche et qu’il transforme « nous voulons qu’il s’oriente vers une interaction avec d’autres spectateurs. »

Interaction, productions collaboratives et créativité participative ne cesseront à partir de là d’exister dans un grand nombre d’œuvres d’art contemporain, le spectateur devient dès lors nécessaire à l’œuvre, il est ainsi intégré au processus de création. Avec l’avènement des technologies informatiques les possibilités d’intégrer l’individu à la création deviennent semble t-il infinies.

C’est à partir de cette réflexion que l’atelier de création plastique des étudiants de 3^ème année Interactivité est construit et leur propose de revenir à cette question de l’interaction en dehors du contexte informatique.

Projet réalisé par Morgane Sanglier.

Le sujet de l’équité a donné lieu à un travail de veille, recherches d’informations, des mots, des définitions, images et textes qui ont permis aux étudiants du BTS Design Communication Espace et Volume première année, de développer leur imaginaire afin de créer un vocabulaire de forme.

Celui-ci permet de traduire visuellement et plastiquement les idées, ce qui est l’objectif principal d’un atelier de pratiques plastiques. Le résultat s’est concrétisé dans une mise en oeuvre de maquettes.